Badlands　映画・演劇・音楽レビュー

【演劇】MODE『心中天網島』2008.7.6

ぼのぼの — 2008-07-13T22:13:43+09:00

MODE『心中天網島』
2008年７月６日(日) 15:00～　笹塚ファクトリー

世田谷パブリックシアター制作による『審判』『失踪者』の連続上演があったものの、MODE名義としては『変身』以来１年４か月ぶりとなる公演。しかも今回は、カフカでもチェーホフでもシェイクスピアでも唐十郎でもなく、何と近松門左衛門。松本修は文学座在籍時代に「ちかまつ芝居」というユニットをやっていて、それがMODEの前身となったそうだが、それも20年以上昔の話だ。１年間にカフカを３本やった後、近松門左衛門に戻るとは、意外な気もするし、原点回帰として妥当な気もする。ともあれどんなものか見に行った。

笹塚ファクトリーに足を踏み入れて、その大胆な空間の使い方にまず驚かされた。『失踪者』の時のように、入り口の反対側と両脇に観客席がコの字型に設けられている。四方にパネルが立てられているものの、作り付けのセットは皆無。電球を主体とした照明がまるで現代美術のようで、始まる前から目を惹きつける。芝居は目と鼻の先で演じられるし、この配置では他のブロックに座った観客の反応が手に取るように分かる。こうなると観客もボケッと見ているわけにはいかない。

主役の紙屋治兵衛は孫高宏。兵庫ピッコロ劇団の役者で、昨年俳優座劇場でやった松本演出『場所と思い出』でも主役の男を務めていた。心中相手の小春と、治兵衛の妻「さん」を山田美佳が二役で演じている。治兵衛の兄をお馴染みの中田春介、恋敵の太兵衛などを得丸伸二、さんの父親を榎本純朗が演じている。それ以外は近畿大学出身の若い役者と、兵庫ピッコロ劇団の役者で占められている。プロフィールを見ると埼玉出身の榎本を除いて、全員関西の出身だ。

驚くほど原典に忠実な『心中天網島』だった。と言っても原典を読んだことはないのだが、６年前に見た文楽の記憶と大きく食い違う部分はないので、まず間違いないだろう。時々、現代の服装をした登場人物が出てきて、義太夫の地に当たる部分を語ったりするが、様々な遊びに満ちたカフカものに比べると、その脚色度は格段に低い。

簡単に言えば、紙屋の若旦那が遊女に惚れて心中するまでの話だが、いろいろな意味で心構えを決めないと、その世界に入り込むことは難しい。たとえばこの物語、二人がすでに心中を約束して証文を交わし、周りもそれを知っているところから始まる。そのような現代ではありえない設定を、素直に「この時代は、そういうものだったのだ」と受け止められないと、何も始まらない。
これは文楽を見るときもまったく同じだ。ただ文楽や歌舞伎を見る場合、基本的な価値観やドラマツルギーが現代と違っていることが最初からわかっているため、事前にプログラムのあらすじを読み込んだり、イヤホンガイドを使ったりするので、頭のチャンネルを切り替えやすい。ところが今回は、現代演劇のユニットであるMODEの上演であり、まさかここまで原典に忠実な上演だとは思っていなかったので、最初のうちは少々戸惑った。途中で事態を理解して頭のチャンネルを古典観賞モードに切り替えたため、かろうじて物語に乗り遅れずに済んだが、あまり古典芸能に関する素養がなく、『失踪者』あたりを見てMODEに興味を持った人がいきなりこれを見たとしたら、置いてきぼりを食う可能性も少なからずあるだろう。

ここまで原典に忠実だったとは意外だが、結論から言うと、非常に気合いの入った優れた舞台だった。

役者が手で持ち運べる座敷のセットや小道具はあるものの、ほぼ素舞台であるため、役者が自由に動き回ることが出来る。これが視覚的に単調になりがちな世話物に生き生きとした躍動感を加えている。しかもその身体表現は、現代演劇のリアルな動きを基本としつつも、文楽の人形を模したような様式美が感じられ、ある種のコンテンポラリーダンスに近い面白さが感じられた。ダンスシーンは無いので、スタッフに「振り付け井手茂太」の名はないが、その遺伝子はこの作品にも深く刻み込まれているようだ。

事前の予想通り、役者が手を伸ばせば触れるところまで来て演技するため、こちらも気が抜けない。ある意味、こちらもステージの上にいるようなものであり、まさに見る側と演る側の真剣勝負だ。まあ僕の場合、そう言わざるをえないような席に座っていたためで、横サイドの上段にでも座っていれば、そこまでのこともないのだろうが。

役者の中で一番感心したのが、中田春介。MODEのレギュラーと言っていい人だが、２年前に同じ笹塚ファクトリーでやった『秘密の花園』では、何のためにいるのかよくわからない奇妙な浮きっぷりをしていた。この近畿大出身者を中心とするメンバーでは、その二の舞になるのではないかと思ったが、今回は心配無用だった。浮くどころか、彼の存在が作品を引き締める重しのような役割を果たしていた。しかもこれまでの中田とは一味違う、分別に長けた渋いキャラクター。彼の新生面が見られたようで、たいへん嬉しい。作品によって当たり外れの大きい人だが、今回の孫右衛門役は大当たりだった。

次いで山田美佳。拙い台詞回しがいつも気になるのだが、今回は地のままの(？)関西弁で、しかも劇場が小さいので無理に声を張り上げる必要もない。おかげでカフカものの時とは別人のように滑らかな台詞回しを聞くことが出来た。
第一幕の小春役は可もなく不可もなく程度だが、第二幕のさん役は文句なしに良い。いかにも商家の嫁らしいキビキビとした動き。夫の着物を替えるときの、かすかな艶めかしさが漂う所作。さんを身請けするのはいいが、その後お前はどうするのだと夫に言われ、子守女にでもなろうかなどというところは、その健気さがグッと胸に迫る。父親によって無理矢理離別させられるシーンも心に響く。彼女がさん役をこれほど見事に演じてくれたおかげで、治兵衛が「さんに申し訳が立たないから」と、小春と少し離れた場所で首をくくる行動にも納得がいった。
それに比べると小春役の芝居はインパクトに欠けるのだが、最後の心中シーンでは日本的な死とエロスの様式美をきちんと表現できていた。『唐版風の又三郎』以降では、間違いなく最高の演技。やはり山田美佳は、演技の幅は決して広くないものの、その幅の中に収まる役柄においては、素晴らしい輝きを放つようだ。

得丸伸二も何気に印象深い演技を見せる。『唐版俳優修業』では飛び道具的な芝居を見せていたが、こういうシャープな男前の役柄も出来るのだと感心した。

若手では、様々な役を取っ替え引っ替えし、人形を使って治兵衛たちの子供まで演じた山田実沙子が敢闘賞ものだった。多分次の作品では、かなり大きな役に抜擢されることだろう。

主役の治兵衛を演じた孫高宏だが、正直、彼に関してはかなり微妙だ。決して悪いわけではない。少なくとも具体的にどこがダメだと言えるような演技ではない。ところが不思議とこの人の芝居は心に響かない。これは『場所と思い出』の時にも感じたことだ。抽象的な表現だが、この人の感情表現は妙に内向きで、客席にドンと届くことなく、彼の半径１メートル以内にオーラのようにまとわりついているような印象がある。あまりにはまりすぎて予定調和な出来になるかもしれないが、この治兵衛役は中田春介がやった方が良かったのではなかろうか。

これからMODE／松本修がどういう方向に進んでいくのかはわからないが、カフカものを一通り終えた後、まったく違う作風で意外なほどの力作を見せてくれたことで、今後の展開にも大いに期待が持てそうだ。エチュードだけで終わっているシェイクスピアも、ぜひ本格的な公演を望みたい。

…と、ここまではある意味客観的な評価。この『心中天網島』が見事な力作であることは疑いない。

しかし、それとは別に極めて個人的な感想もあるので、作品評とは別のレヴェルで書いておく。

一応書いておきたい個人的な感想、それを書いておかないと嘘になってしまう個人的な本音とは…

「やはり私は関西弁はようわかりまへん」という身も蓋もないものだ。

もちろんまったくわからないわけではない。当然のことながらわかる部分の方が多い。少なくともそれが原因でストーリーを見失うようなことはない。

しかし肝心なところで感情を込めた台詞を早口で喋られると、そこで大きな断絶を感じてしまうのだ。関西弁の、それも時代劇の台詞が、ストレートに心に入ってこず、いわば外国語を一度脳内で日本語に翻訳して理解するのに近い状態になってしまう。それがせっかくの熱い感情表現を、変な具合に冷ましてしまう。熱々のうどんを一度水にくぐらせて、また汁に戻しているような気持ち悪さがまとわりつく。

これは、決してこの上演に限った問題ではない。以前文楽に熱を上げていたものの、それが少しずつ冷めていった理由の一つは、実はここにあるのだ。あまり動きが無く室内での会話シーンが続く世話物では、関西弁の台詞(浄瑠璃)が占める役割が大きくなるため、どうしてもストレートにその世界に入り込めない。『心中天網島』『冥途の飛脚』『夏祭浪速鑑』といった名作中の名作と言われる作品ですらそうだった。ホームドラマ的な会話が始まると、中途半端な外国語を聞いているような断絶感を覚え、どうしても途中で心が離れてしまうのだ。
では面白かったものは何かというと、『妹背山女庭訓』『菅原伝授手習鑑』『義経千本桜』といった、いわゆる時代物。このような作品ならば、数々のアクションに彩られ、台詞ではなく動きによってドラマが進むシーンが多いので、あまり断絶感を覚えることはない。それらは今でも好きだし、機会を見つけてまた見直したいと思っている。しかし近松門左衛門をはじめとする世話物に対しては、今でも拭いがたい苦手感がある。

それを思えば、この作品は、僕の苦手な近松ものを、よくぞここまで面白く見せてくれたものだと感謝したいほどだ。しかし台詞自体は原典に忠実なので、外国語を聞いているような断絶感はやはりつきまとう。したがって、この作品のクオリティの高さは大いに認めるものの、個人的に深く感動したかというと、またもや関西弁に感情移入を邪魔されてしまったというのが正直なところだ。

ただ、それはひょっとすると僕だけの問題ではないのかもしれない。すでに述べたように、この座席配置では他ブロックの観客の顔が丸見えなので、僕はそちらの表情もよく観察していたのだが(嫌な客だな)、皆ふむふむという感じで真剣に見入っていたし、退屈そうにしている客は誰一人いなかったが、その表情には喜怒哀楽のストレートな感情がほとんど浮かんでいなかった。それを証明するかのように、十分に可笑しなシーンがあるにもかかわらず、休憩込みで２時間の上演時間中、一度たりとも笑いが起きなかった。これが大阪での公演なら、まったく雰囲気が違うのではなかろうか。やはり東京の20代の若者中心の観客層にとって、この作品は「感心はするけど、感動はしない芝居」だったのではないか…そんな気もするのだが、どうなのだろう。

(2008年７月)

【映画】『ぐるりのこと。』ゲイは身を助けず

ぼのぼの — 2008-06-30T08:27:35+09:00

傑作『ハッシュ！』以来６年ぶりとなる橋口亮輔監督の新作。本作も前評判が非常に高かったので初日に駆けつけたが、その期待は裏切られることになった。

1993年から2001年までの約８年にわたる、夫婦の破局と再生の物語。実はその概容を聞いたときから一抹の危惧は抱いていた。と言うのも、橋口亮輔がゲイであることは誰もが知る事実であり、彼がこれまでに撮った３作品も全て同性愛が重要なモチーフとなっていたからだ。僕は最初の２作『二十歳の微熱』『渚のシンドバッド』を見ていないのだが、これは事実関係として間違いではないはずだ。
その彼が、何故突然男と女の夫婦関係を描こうと思ったのか？　これが本作を見るにあたっての一つのテーマだった。もちろん「ゲイが男女の恋愛や結婚など描くな、ゲイはゲイの世界だけ描いていろ」などという暴論を吐く気は毛頭ない。それはいくら何でも表現の自由と人間の想像力に対する冒涜だ。とは言え、これまでの３作品でゲイとしての生き方や愛情を描いて高い評価を得てきた橋口が、突然ゲイ色を排して男と女の愛情を描く以上、そこに何らかの作家的必然を求めるのは横暴な注文ではないだろう。たとえばアン・リーは、ゲイの愛憎を描いた『ブロークバック・マウンテン』が高い評価を得たが、その次の『ラスト、コーション』では一転して、男と女の濃密な性愛を描いてみせた。『ラスト、コーション』で描かれた男女関係の説得力は強力極まりないもので、あれを見て「『ブロークバック・マウンテン』ではゲイの世界を描いたのに、何故次は男と女の話になったんだ」などと言う者はどこにもいまい。そこには、男と女でなければならない必然性が、確かにあった。

では、この『ぐるりのこと。』において、橋口が男と男ではなく、男と女の関係を描いた必然性はあるのか？　無いとは言えない。少なくともこのストーリーをゲイの夫婦(？)で描くことは出来ないだろう。ただ言ってしまうと、それは「ストーリー上、男と男にすることは難しかったから、男と女にした」という消極的な理由であり、「男女の夫婦関係と、その心理を徹底的に描いてやろう」という作家的意欲はあまり感じられない。そのため着慣れないスーツを着てお見合でもしているような窮屈さが漂っている。
冒頭、妻がセックスの日をすっぽかす夫を論理的に糾弾するシーンや、中盤の鼻水垂らしながらのラヴシーンなど、とても生々しい優れたシーンもあるのだが、そういうシーンにもあまり「男と女」の匂いは感じられない。と言うより、あの感性は、むしろゲイ的なもののように思える。そういう微妙な違和感が全編に漂っているため、どうも素直にドラマに入り込めない。

そしてもう一つの問題は、法廷画家である夫(リリー・フランキー)が、法廷で様々な事件を見ていくのに、それらの事件に接して彼がどんな感慨を持ち、どんな風に変化したのかがほとんどわからないことだ。そのため、それらの事件と夫婦関係の復活という物語がうまく絡み合っていないように思える。
描かれる事件は、名前や設定こそ変わっているものの、宮崎勤の幼女連続殺人事件、オウム真理教のサリン事件、宅間守の池田小襲撃事件など、誰が見てもそれとわかる、この時代の有名な事件がほとんどだ。なるほど、確かにそれらの事件に「他者との断絶」という共通項を見いだすことは出来るし、そのテーマによって夫婦の物語と関連性を持っているように見えないこともない。しかしすでに述べたように、夫がそれらの事件にどういう影響を受けたのかがほとんど描かれていないため、未完成の素材だけがゴロリと投げ出されているような印象を受ける。
また、他者との断絶という共通項だけで、オウムも宮崎勤も宅間守もパブのママと外国人ホステスの争いも、全て一緒くたにしてしまうのは、いくら何でも大雑把すぎはしまいか。そういう事件をひとまとめにしてもっともらしいコメントを加えるのはワイドショーのコメンテーターがやることであり、芸術家のやるべきことではない。芸術家がなすべき仕事は、そういう大雑把なものの見方、ベルトコンベヤーのような報道からこぼれ落ちていく、人間一人一人の代替不可能な真実にスポットを当てることだろう。そういう視点を示すことなく、あれだけ多くの死者が出た重大事件の数々を、単なる背景のように扱ってしまう無神経さには、どうにも納得がいかない。
そんなものをいちいち描いていたら別の映画になってしまうと言うなら、映画オリジナルで架空の事件を作り出せいいだけのことだ。誰が見てもそれとわかる重大事件を引っ張り出しておきながら、それらに対するきちんとしたスタンスを示さないのでは、単なる客寄せのために事件を利用したのかと非難されても仕方あるまい。

一つ一つのエピソードは面白いので、140分の長尺もさほど退屈はしない。しかし総体として一体何を描きたかったのか、煮え切らない思いが残る作品だ。少なくとも『ハッシュ！』に比べると、だいぶ落ちると言わざるをえない。

P.S.
グリングやTHE SHAMPOO HATをはじめとする小劇場系の役者があちこちに出ているため、その顔ぶれを見ているだけで、知っている人にはけっこう楽しめる。

(2008年６月)

【演劇】子供のためのシェイクスピアカンパニー『シンベリン』2008.6.28

ぼのぼの — 2008-06-29T17:50:59+09:00

子供のためのシェイクスピアカンパニー『シンベリン』
2008年６月28日(土) 18:00〜　桜美林大学 PURNUS HALL

この作品、本公演は７月12日からなのだが、それ以前にこの桜美林や早稲田などで公演を行い、その後であうるすぽっとの本公演という段取りになっている。本公演のチケットは買ってあるのだが、この日が一応２か月半に及ぶ公演の初日。家からだと東池袋よりも淵野辺の方が近いし、チケット代も安いので(本公演の4800円に対し2500円とほぼ半額)、とりあえず見に行くことにした。ただしこの日の公演に求めていたものは、いわば公開ゲネプロのような荒削りの内容であり、それが本公演に向けて完成していく様を見るために足を運んだのだ。

ところがその期待は、軽く裏切られた。

とても本公演前とは思えぬ完成度。

あくまでも試演／公開ゲネプロのようなものだろうという予想は木っ端微塵。いくら再演とは言え、配役もかなり違っているわけで、まさかこの段階でここまで仕上げてくるとは思ってもみなかった。おかげで本公演に対する楽しみが半減してしまった…と皮肉の一つも言いたくなるほど見事な出来映えだった。

『シンベリン』は、シェイクスピアの戯曲としてはかなりマイナーな部類に属する。ほとんどの人はタイトルすら知らないし、批評的にも高い評価は得られていない。ところが読んでみると、これがビックリするほど面白い(僕が読んだのは小田島雄志訳)。何故この作品が、そこまで不当に低い扱いを受けているのか実に不思議だ。

解説や批評をひもといてみると、どうやら「筋が雑然としていて構成が甘い」というのが一般的な意見らしい。個人的には「そうかあ？？？」と言う他ない。あの雑多なストーリーを、力業で全て落ち着くべき所に落ち着けて大団円に持ち込む展開など、まさにシェイクスピア劇の一つの典型ではないか。それどころか今回の上演を見ていて、「このクライマックスって、アガサ・クリスティや横溝正史などのミステリーで、最後に探偵が次々と事実を解き明かしていく、あの展開のルーツなのでは？」と思ったほどだ(本作の場合、観客には全ての秘密がわかっているので、むしろ倒叙ミステリーのルーツだろうか？)。また、どのエピソードもきちんと現代に通じる内容で、『夏の夜の夢』のように、現代の人間にはあまり意味のないお笑いパートが無いのも高ポイントだ。
メロドラマ性の強さも批判の対象になることが多いらしいが、これはシェイクスピア嫌いのバーナード・ショーが「最も下等なメロドラマのクズ」と呼んだ影響だろう。メロドラマチックであることが、そのまま否定材料になるわけではないし、そもそもメロドラマが苦手な僕が、まったくそういう拒否反応を起こさないレヴェルなのだから、これもたいした欠陥とは思えない。
「シェイクスピアの作品の中でも強引な物語の展開にかけては一番」という文章も目にしたが、シェイクスピア劇で、それも喜劇色の強い作品で、ストーリー展開が強引でない作品が１本でもあるのだろうか。喜劇として評価の高い『十二夜』のラストを許容できれば、この作品の強引さなどまだマシな方だと思うのだが。
また、どこかに「過去作品のネタの使い回しが目立つ」とも書かれていた。なるほどネガティヴに言えば、そう表現できるが、ポジティヴに言えば、だからこそこの作品はシェイクスピア劇の集大成的な面白さに満ちている。『十二夜』のヴァイオラや、『オセロー』のイアーゴーなどが名前を変えて出て来る、シェイクスピア・オールスターズのような作品ではないかとさえ思う。見方によって長所にも短所にも映る部分だろうが、僕にとってはもちろん長所だ。

終演後のアフタートークで山崎清介が、「英語の原文を読める人にとっては、英語の文体などの面で雑さが感じられるのだろう」と語っていたが、手持ちのシェイクスピアヴィジュアル辞典(原著は英語)によれば「この戯曲には、シェイクスピアの後期作品の中でも、もっとも美しい韻文が入っている」「派手な物語だが、言葉そのものを楽しむ部分もある」「彼らは彼女が少年だと信じており、仮死状態の彼女が自分たちの妹であるとは知らず、すばらしく美しい詩と歌で葬ろうとする」などと書かれているので、必ずしもそうとは言えないのではないか。ただし小田島雄志版の上野美子による解説には「錯雑したプロットや均一性を欠く文体がわざわいしてか、この劇はシェイクスピア一人の筆によるものではない、とする説が古くから根強かった」という一文も見られるので、素晴らしい文章とそうでない文章の落差が激しい可能性はありそうだ。

ともあれ、波瀾万丈の娯楽性ではシェイクスピア作品中でも随一ではないかと思える『シンベリン』。それに対する世間の低い評価には、どうしても納得がいかない。

だからこそ、このカンパニーによる上演を見て喝采を上げたくなった。そこにあったのは、笑いありドラマありアクションあり謎解きあり(？)の一大娯楽絵巻『シンベリン』だった。戯曲として読んで面白かった『シンベリン』は、やはり舞台の上に乗っても面白かったのだ。あの戯曲の面白さを、ここまで舞台上で再現してくれた山崎清介と役者・スタッフたちに感謝する他ない。

このカンパニーは、以前『十二夜』だけ見ているが、それと比べてもこちらの方が格段に面白い。これは演出のスピーディーさとアイディアの豊富さ、そして役者の魅力などがパワーアップしているためだ。特に展開のスピーディーさは特筆に値するもので、15分の休憩込み２時間20分の間、一瞬たりともだれるところがない。しかも目まぐるしい展開や場面転換が続くにもかかわらず、ちゃんとストーリーが理解できる。山崎清介の脚色と演出は、実にツボを得た秀逸なものだ。オリジナルギャグも『十二夜』の時ほどくどくなく程よい具合に散りばめられているので、素直に笑える。

個人的に印象に残ったのは、戯曲を読んだとき一番笑いが止まらなかったポステュマスの嫉妬シーンが、意外にもドロドロとしたシリアスな演出で描かれていたこと。
それまでイモージェンに絶対の信頼を置いていた人格者ポステュマスが、あの程度の嘘に欺されて、イモージェンの背信を信じ込み悲憤慷慨する単純さは、冷静に見ればギャグ以外の何ものでもない。しかも翻訳版で延々２ページにわたって綴られる憤慨の台詞が、イモージェン個人ではなく、いきなり「女」全体に普遍化されている暴走ぶりがまた凄い。「いまに女を憎み、女を呪う大論文を書いてやる」って…頼むから少し落ち着いてくれ(笑)。それで召使いのピザーニオにイモージェンを殺すよう固く命じておきながら、イモージェンが殺された(実際には死んでいない)と知ると、急に後悔して、今度は「ああ、ピザーニオ、いい召使いは命令を全てはたすものとは限らない、正しい命令だけ実行すればいいのだ」って、お前なあ…(笑)×(笑)　もうこの辺りは男という生き物の愚かさをカリカチュアしたシーンとしか思えない。ところがこのくだりも、シリアスに悲劇的に描かれている。
そういった点に少なからぬ違和感を抱きながら見ていた。しかし最後まで見たとき、ようやく納得がいった。これまで自分は戯曲『シンベリン』をほぼ「喜劇」として捉えていた。先述のシーンは今読み返してみてもやはり滑稽だし、そういったポステュマスの嫉妬や最後の大団円シーンをもっと喜劇的に描くことも出来るだろう。それはそれで絶対に間違いではない。しかしこの上演のように、喜劇を基調としつつも悲劇やシリアスドラマとしての要素を立てて、複合的なドラマとして描く演出もまた正しい。むしろこちらの方が正統派なのだろう。事実、最後の大団円シーンで数奇な運命をくぐり抜けた者たちが再会するシーンでは、戯曲を読んだときには感じなかった胸に迫るような感動を覚えた。この戯曲は普通「喜劇」ではなく喜劇と悲劇の混合体である「ロマンス劇」に分類されているが、今回の上演を見て、その意味がよく理解できた。それを教えてくれた山崎清介にあらためて感謝したい。

役者も皆上出来。内面的な演技はそれほど必要とされず、外面的な動きで物事を表現する部分が多い作品だが、皆見事なスピードとリズム感で、1950年代の出来の良いハリウッドコメディのような芝居を作り上げていた。

最大の注目は言うまでもなくカンパニー初登場の石村みか。彼女にとってはこれ以上ない適役イモージェンを演じるのだから、期待せずにはいられない。
最初にイモージェンとして登場するシーンでは、初めて見る石村のロングヘアにちょっと驚いた。それはいいのだが、どうもメイクが今ひとつで目が腫れているような感じに見えてしまい、これには最後まで違和感を覚えた。しかし休憩後の後半では、彼女は少年の扮装を出てくることになる。かつては女を演じるよりも男の子を演じる方が多かった彼女のこと、久々の男の子役はやはりチャーミング極まりない。最近は女性の役柄でも素晴らしい演技を見せてくれるのだが、彼女が演じる男の子役を見ていると、そういった次元を超えた得も言われぬ幸福感で心が満たされていく。それは普通の意味での演技力とは違う、天性の才能なのだろう。あの魅力は、おそらく彼女自身も計算して出しているものではないと思う。とは言え、50歳で少年役を演じて今と同じ魅力を出せるとは考えにくい。この奇跡を目にすることが出来るのも、あとせいぜい10年程度。前から再三書いているように、僕が彼女に最も演じて欲しいと思っている役柄は『十二夜』のヴァイオラだ。このカンパニーでも他の劇団でもいいから、石村みかが演じるヴァイオラが数年以内に実現することを願ってやまない。
演技的には、特に前半、芝居の流れを慎重に観察していて、まだ役になりきっていない感じも少し受けた。彼女の実力からすれば、もっと魅力的なイモージェンを、もっと自由に演じられるはずだ。本公演はこれからだし、その後も９月14日まで地方公演が続く。今後更なる成長が期待できるので、本公演を楽しみにするとしよう。

他ではクロートンを演じた戸谷昌弘がイメージ通りのバカ息子っぷりで大いに笑えた。喜劇性の少ない役で、土屋良太がピザーニオを、山口雅義がヤーキモーをそれぞれ的確に演じているおかげで、全体のバランスが非常に良くなっている。特に山口雅義は、前半の邪悪な匂いと後半の心の揺らぎを表現して秀逸だ。

一番食い足りないと思ったのはポステュマス役の若松力。あまりにも普通の好青年になりすぎていて、他のキャラに比べると陰影に乏しい。こちらも本公演で、何らかのメリハリを付けてくることを期待しよう。

終演後は40分ほどのアフタートーク及び観客との質疑応答。話の内容もさることながら、役者たちが非常に楽しそうに芝居に取り組んでいること、そして彼らが山崎清介に大きな信頼を寄せていることが手に取るように感じられて、実に気持ちの良いアフタートークだった。この調子で９月まで突っ走って欲しい。

と言うわけで、本公演が始まる前にその面白さに触れることが出来たので、今の内に大いに推薦したい。老若男女全てにお勧めできる、文句なしに楽しいお芝居だ。
http://www.canonkikaku.com/information/shakespeare.html

なおカンパニー名は「子供のためのシェイクスピア」となっているが、その名前から想像するような子供向けの芝居をしているわけではないのでご心配なく。子供が見ても退屈しないよう、難しい部分はカットしたり脚色したりして、面白可笑しく仕上げているが、子供向けにレヴェルを落としているわけではない。オリジナルなギャグはあちこちに入っているし、様々な意味で現代化されているが、シェイクスピアの本道はきちんと押さえた、理想的な大衆的シェイクスピア劇。欺されたと思って、ぜひご覧あれ。

(2008年６月)

【映画】『インディ・ジョーンズ／クリスタル・スカルの王国』このシリーズのヒロインはカレン・アレンに尽きる

ぼのぼの — 2008-06-15T00:08:24+09:00

まだ先行上映の初日なので詳しいことは何も書かないが、『インディ・ジョーンズ／クリスタル・スカルの王国』は非常に面白かった。

このシリーズ、１作目の『レイダース／失われた聖柩』は圧倒的に面白かったものの、続く２作目と３作目はまったく評価していない。特に３作目は酷い出来だった。そしてこの４作目、さすがに１作目には及ばないものの、２作目３作目など比較にもならないほど面白い。
４作目で突如面白さ復活というパターンは、『ダイ・ハード』シリーズとよく似ている。違うのは、『ダイ・ハード4.0』が１作目とまったく違うベクトルでまったく違うタイプの傑作になっていたのに対し、この『インディ・ジョーンズ／クリスタル・スカルの王国』は明らかに１作目への原点回帰を果たしていること。何よりもそれを象徴しているのが、１作目のヒロインカレン・アレンの復活だ。しかも単なる顔見せではなく、彼女が驚くほど活躍するし、ドラマ的にも「え？　何？！　本当？！！」と言うような展開があるのだからファンにはたまらない。悪役のケイト・ブランシェットも大健闘だが、個人的にはカレン・アレンが活躍してくれるだけで全てOK。やはり彼女の演じるヒロインが１作目の大きな魅力であったことを再確認した。

インディの父親ショーン・コネリーも思わぬ形で登場するし、実はこれは『未知との遭遇』の前日譚ではないかと想像するのも楽しい。シャイア・ラブーフの初登場シーンが『乱暴者』のマーロン・ブランドそのまんまなのにも大笑い。もちろん古き良き冒険活劇のエッセンスは全編に満載だ。まるでこの映画１本で、一つの娯楽映画史を形成しているかのようだ。

久々にスピルバーグらしい大娯楽映画。ぜひご覧あれ。

出来れば、この調子で第５作目も実現して欲しい。

(2008年６月)

【ライヴ】SAICO／三上ちさ子／扇愛奈　2008.5.31

ぼのぼの — 2008-06-02T01:24:47+09:00

ch315+150=251　SAICO／三上ちさ子／扇愛奈
2008年５月31日(土) 19:00〜　下北沢 CLUB 251

昨年の８月に引き続き、SAICO(鈴木彩子)が主催するch315に三上ちさこが出演。扇愛奈という人も加えた３アーティスト出演のライヴが、下北沢のCLUB 251て開かれた。

しかしいきなり頭に来た。チケットには19時30分開演と書いてあったのに、19時10分頃に行ってみると、もう演奏が始まっているのだ。19時30分というのは間違いで、実際には19時開演だったのだ。それで受付に文句を言うと、「HPなどには書いてありましたが」ときたものだ。バカも休み休み言え。チケットを買った人間は、チケットに記載された開演時間と実際の時間が違っていないかどうかを、わざわざHPで確認するのが義務だとでも言うのか。飛行機のリコンファームじゃあるまいし、そんな馬鹿げた話、聞いたことがないぞ。それをさも当たり前のように言うとは、ふざけているにもほどがある。せめて「申し訳ございません」の一言くらい言えないのか。すでに始まっていたのが扇愛奈だったからまだ良かったが、これがちさこだったりしたら、その客を舐めた対応に確実に切れていたところだ。
ライヴハウスの対応も酷いものだが、それ以上に問題なのは、チケットを売ったチケットぴあだ。ぴあ会員の予約で取ったのだから、誰に間違いのあるチケットを売ったかは簡単にわかるし、連絡先もわかっているはずだ。それならばメールなり封書なりで、その間違いを個別連絡するのが当然の義務だろう。最近のチケットぴあは、やれシステム手数料だ発券手数料だと名目を付けて、チケットの額面以外に何百円もの金を取るが、金を取るだけ取って、そんな最低限の顧客サーヴィスも無しでは搾取以外の何ものでもない。90年代のアメリカで、バール・ジャムがチケットマスターを相手に闘ったが、最近のチケットぴあやe＋を見ていると、彼らの気持ちがよくわかる。

そんなわけでいきなり気分を害してのスタート。ただ、最初から見られなかったのが、ちさこやSAICOでなかったのが、まだ救いだ。

扉を開けると、いきなりレッド・ツェッペリンの「胸いっぱいの愛を」そっくりのリフが聞こえてきてビックリ。客が超満員なのに、さらにビックリ。おお、この３人が揃うと、こんなにも客が入るものなのか。
それにしてもCLUB 251はステージが低いので、よほど前に行かないとアーティストの姿が見られない。同じ下北沢でも、MOSAiCがいかに見やすい良い箱かわかるというものだ。

初めて聞く扇愛奈。一言で言えば、元気いっぱいのガレージロックンロール。たまたま最初に耳にしたのは「胸いっぱいの愛を」そっくりのリフだったが、ハードロックと言うよりは、パンク〜ニューウェーヴの流れを組むロックンロールだ。バングルスとかザ・ゴーゴーズなどと言う懐かしい名前が脳裏をよぎった。だがそれ以上に一番近い音楽を上げれば、ズバリ椎名林檎。ヴォーカルの声質はまったく違うが、頭の中で簡単に林檎のヴォーカルに置き換え可能で、それがけっこうはまっているところが怖ろしい。
ただ個人的評価としては、今の自分にとってほとんど必要のない音楽だった。決してつまらないわけでもクオリティが低いわけでもない。あくまでも「今の自分にとっては必要がない」ということ。この路線だったら、もっと有無を言わせぬほど強力なグルーヴがないと、この歳になってあえて聞こうという気にはならない。

扇愛奈の終了時刻は19時45分。全て終わってから気がついたのだが、三上ちさこの演奏時間が35分、SAICOがアンコール込みで47分程度だったから、おそらく扇愛奈は40分程度。と言うことは、入った時に演っていた曲はまだ２曲目くらいだったのだろう。

扇愛奈の時は、入ったばかりであまり移動できず後方で聞いていたが、終了後ササッと前方に移動する。結果的には中央前から６列目くらいの、かなり見やすいポジションをキープすることが出来た。

ピッタリ15分のセットチェンジで、20時から三上ちさこが始まる。バンドメンバーは、ギターが藤井一彦、ドラムスが室田憲一、ベースは誰かわからないのだが、昨年12月の代々木に参加していたのと同じ人かな？　あの小屋もステージが低くてメンバーがよく見えなかったので、はっきりしない。

セットリスト
１．新曲
２．新曲
３．相対形
４．ファンダメタンタル
５．粗大ゴミ
６．Crystal Life
７．月と砂漠

１曲目、２曲目は聞いたことがないので、多分新曲だろう。どちらもリズムを強調した曲で、特に２曲目はファンクと言っていい作風。ただし黒っぽさは全然無し。トーキング・ヘッズやストーン・ローゼズなどの白人バンドがやっているファンクを、さらに薄めたお醤油ファンクだ。悪くはないが、良くもない。歌詞もまるで印象に残らないし、このような音楽やリズムは、ちさこの個性にあまり合っていないのではなかろうか。バンドの演奏もそつなくまとめている感じで物足りない。

３曲目は「相対形」。これはさすがに盛り上がるのだが、予定調和的な盛り上がりを超えるものではなく、どこかこじんまりとした印象を残す。

「次のライヴのお知らせが欲しい人は、そこらのいらない紙の裏にでも連絡先を書いて、受付に渡していってください。紙がもったいないからね」というようなMCをはさみ、４曲目「ファンダメンタル」。これも上の３曲と同様、そつなくまとまっているのだが、グイッと心を鷲づかみにするようなパワーに欠ける。一体どうしてしまったのだろう？　明日などないかの如く声を振り絞り、実際声も出なくなってのたうち回っていた、あのちさこが、何故こんなこじんまりとした表現で満足できるのだろうか？

続く５曲目はシングル「相対形」の２曲目に入っていた「粗大ゴミ」。この曲ならもっとパンキッシュに暴れられるはずなのだが、相変わらず予想の範囲内にとどまったおとなしい演奏。

前回の代々木ほど露骨に酷いわけではないが、あっさり風味の歌と演奏ばかりで、かつてのちさこにあった火傷しそうな情念がすっぽりと抜け落ちている。あの炎と氷が同居しているかのような希有のアーティスト三上ちさこは、もう帰ってこないのだろうか…

…と思った矢先に始まったのが、fra-foaの「Crystal Life」。これが良かった。それまでの物足りなさを一挙に吹き飛ばすような情念の噴出。fra-foa時代とは別人のように安定していたヴォーカルが、一転して音程乱れまくりになるのだが、そんなことは気にもせず一つ一つの言葉に燃えるような思いを込めて歌い上げるちさこ。「ちさこがこれだから、俺たちも行っちゃっていいんだよね？」とばかり、演奏の熱量もグンとアップ。室田憲一がようやく本領を発揮。ベースとの連携も鉄壁で、その上で藤井のギターが暴れまくる。そう、このバンドには、この曲や「Yes」のような、ミディアムテンポでエモーショナルに盛り上がるナンバーがよく似合う。

続く７曲目は「月と砂漠」。お約束のラストナンバーなので「え？　もう終わり？」と驚いたが、こちらも前の曲に引き続いて好調。ヴォーカルは前回披露した気持ち悪い歌い方の残滓があるが、あそこまで酷くはないので許容範囲。そしてバンドの演奏は、前半のくびきから解かれたかのごとく白熱したものになっている。むしろ、何故最初からこれくらい自由に暴れてくれなかったのかと不満が高まるほどだ。

演奏終了時刻は20時35分。最後の２曲でようやく盛り上がったものの、前半こじんまりまとまりすぎていたのと、演奏時間が35分と短かったため、妙にあっさりとした印象が残った。昨年12月に代々木で見た最悪のライヴよりは遙かにいいが、昨年８月のch315初登場時に比べるとだいぶ落ちるという評価だ。「解放区」や「咲かない花」のような必殺ナンバーをはずした選曲も少し物足りない。
考えてみると、2006年から2008年にかけての彼女の音楽活動と言えば、上に述べた３回のライヴのみ。特に2006年初めから2007年の夏までの間、表立った活動を一切していなかったのだから、今もリハビリ中というか、完全復活に向けての手慣らし期間と捉えるべきなのかもしれない。昨年８月の素晴らしすぎるライヴは、１年９か月ぶりのライヴで気合いが入っていたことや室田憲一との初顔合わせなど、様々な条件がうまく重なった結果のマジックだったと考えた方が良いのだろう。

次のライヴは７月だが、注目すべきは、すでに発表されているバンドメンバーが今回とまったく違うこと。これが藤井や室田とのコラボレーション終了を意味するものなのか、その時だけのスペシャルパンドなのかは、わからない。ただ、上に述べたように完全復活に向けての手慣らし期間と考えるなら、様々なミュージシャンと組んでみて、その化学反応を見るのは大いに意味があることだ。箱も再びMOSAiCなので、今回よりも見る条件は確実にいいはずだ。水曜日のライヴはハウス公演はいろいろな意味できついが、とりあえず楽しみにしておこう。チケットはすでに予約済みだ。

ちさこの演奏が終わると、急に場内に余裕が出来る。ちさこ目当てで来て、SAICOは見ずに帰る客が多いのだろうか？　だとすれば非常にもったいない。ともあれ空間にグッと余裕が出来て、だいぶ楽に見ることが出来た。

SAICOの登場は20時53分頃。１曲目は名曲「世界が静かでこんなに静かで」。「それでもいい〜〜〜」の絶唱に、いきなり心を鷲づかみにされる。２曲目が「二人は」と、唯一持っているアルバム『Numb』からの曲が続いたため、実にすんなりとSAICOの歌世界に入って行けた。
「鬱の時に作った歌です」という紹介で始まった３曲目は、昨年８月のライヴでも聞いた自伝的ナンバー「MOTHER」。重苦しい曲だが、言葉一つ一つが突き刺さってくるようで、耳をとらえて放さない。
４曲目、５曲目は曲紹介がなかったのでタイトルがわからず。６曲目は「CEREAL」。アンコールは「VALENTINE」。終了時刻は21時40分だったから、アンコールを含めて正味47分程度。
６曲目で引っ込んだ後、皆しばらく沈黙。10秒くらいしてから、ようやくアンコールの手拍子が起こるという、あの妙な間がおかしかった。本当にSAICOファンは、ちさこのファンと違っておとなしいというかシャイな雰囲気が漂っている。

今回最も驚いたのは、バンドサウンドの素晴らしさだ。驚くほどソリッドで、しかも楽器の一音一音がはっきりと聞こえる。前回は、バンドサウンドにそれほど強い印象は残っていないのだが、今回はこの音に身震いが抑えられなかった。特に左利きのギター(名前を忘れた)の音色が個人的にツボ。ベースとドラムスも文句なし。ほとんどの曲がミディアム〜スローテンポなのに、あんな太いグルーヴを醸し出せるのは見事の一語に尽きる。
その上に乗るSAICOのヴォーカルは、よく聞けば必ずしも上手いというわけではないのだが、自分が歌いたいことを自分自身の声と言葉で歌いきっている充足感がはっきりと伝わってくる。見ていると、歌っているときの彼女は本当に幸せそうだ。瀕死の交通事故(片肺を失っているそうだ)をはじめ、SAICOがこれまでの人生で驚くほど辛い目に遭ってきたことは知っている。しかし彼女の歌には、「歌うことでマイナス(人生の不幸)を埋められる喜び」ではなく、純粋に「今ここにあるプラス(歌えること)の喜び」だけが感じられる。そのポジティヴなヴァイブレーションが実に心地良い。

前回見たときも良いとは思ったが、今回はそれを凌ぐ実に感動的なライヴだった。このライヴに足を運んだ最大の目的は言うまでもなく三上ちさこだが、はっきり言って今回はSAICOの圧勝だった。今度はちさこが出なくても、彼女だけを目当てにライヴに足を運びたい。遅まきながら、SAICOファンの末席に名を連ねさせてもらうことにしよう。

入場時、何故かアンケートやチラシをもらえなかったので、帰るとき受付に言ったら「もう全て無くなってしまった」と言われた。何だか一から十までむかつくライヴハウスだ。極力ここには来ないようにしよう。やはり下北沢のライヴハウスはMOSAiCに限る。

(2008年６月)

【追記】2008.6.7
何を今更のように気がついた。ch315というのはch(ちさこ)＋315(SAICO)という意味で、あの二人が組んだイヴェントにのみ使われる名称なのか。前回は、そのことに全く気がついていなかった。今回は身長150cmの扇愛奈が加わって、場所がCLUB 251だから、イヴェント名が「ch315+150=251」。315+150=251の意味は理解していたが、肝心のch＝ちさこであることに今まで気づかなかったとは…

【演劇】東京ノーヴィ・レパートリーシアター『桜の園』2008.5.24

ぼのぼの — 2008-05-31T00:05:48+09:00

東京ノーヴィ・レパートリーシアター『桜の園』
2008年５月24日(土) 13:00〜　東京ノーヴィ・レパートリーシアター

東京ノーヴィ・レパートリーシアター、実はこの第４シーズンは、シーズン会員(１万円で７本観賞できる)になっているため、７本のレパートリー中すでに６本を見た。ただし最初の方でレビューを書き損ねたため、７本全部見てから、総評のような形で短評をまとめて書こうと思っていた。ところが、この『桜の園』を見ている内に、不満と苛立ちが限界点を超えてしまったため、別枠で先に書くことにする。

上演台本は、他の作品と同様大きなカットや付け足しはなく、チェーホフの戯曲に限りなく忠実。注釈が無いとわからないようなロシア的言い回しや、セットの関係で上演不可能な部分(第三幕冒頭のダンスなど)がカットされた程度だ。

にも関わらず何故そこまで苛立ったかというと、主要な役者たちの役の解釈にどうしようもない違和感を覚えたのだ。

この劇団の芝居で今のところワーストは『かもめ』、その次に来るのが『桜の園』だが、この２作に共通するのは「見ているだけで体にカビが生えてきそうなほど、登場人物がメソメソする」という点だ。これが我慢ならないほど気持ち悪い。

中でも一番違和感だらけだったのが西山友子の演じたワーリャだ。第一幕からメソメソ泣き通し。確かに戯曲にも数カ所で涙声の指定はあるが、その合間もほとんど泣いているのだから、あれでは逆に戯曲の指示を無視しているのに等しい。しかもそれに合わせて囁くような声で話すため、あの小さな劇場においてすら台詞がまともに聞こえない。いくら何でもワーリャの嘆きを拡大解釈しすぎだ。
その違和感が頂点に達したのは、第三幕でラネーフスカヤにロパーヒンのことを話すとき、嗚咽と言っていいほど泣きまくることだ。あの状況下、あの話と台詞の流れの中で、何故ワーリャが嗚咽する必要があるのか？　ワーリャがあそこで嗚咽できるほど素直に感情を表出できる人間なら、彼女はあのような生き方はしていないのではないか。僕には、あそこでワーリャがあんな風に泣くとは、どうしても思えないのだ。もちろん戯曲にも、そんな指示は書かれていない。
戯曲に指示されているワーリャの涙で、僕が最も心を打たれるのは、第四幕でロパーヒンと別れた後の涙だ。ロパーヒンからプロポーズの言葉が聞けるかもしれない最後のチャンスが虚しく過ぎ去り、ワーリャは一人さめざめと泣く。家政を取り仕切ってはいるものの、何事に付けても不器用で、恋愛の場でも素直な感情表現がまったく出来ないワーリャ。そんな女が、全てが終わってしまった後になって初めて涙を流し、それでもラネーフスカヤが来れば、すぐにいつも通りの実務的な調子に戻っていく。彼女には仕事以外救いが無いのだ。しかも幾つかの描写から考えて、その仕事においてすら、決して有能というわけではなく、ただ地道にコツコツ働くだけが取り柄のようだ。そんな不器用で、頑なで、しかし健気な女だからこそ、ワーリャという人物が愛しく感じられるのではないか。それをあんな風に最初からずっとメソメソして感情を垂れ流しにしていたのでは、ワーリャに対する共感は激減してしまう。

川北裕子の演じたラネーフスカヤも同様である。演技なのか、地声なのか、あるいは風邪でもひいていたのか、最初から最後までかすれ気味の疲れた声で、人生にくたびれた雰囲気を濃厚に醸し出している。しかしラネーフスカヤというのは、そんなに憂愁に満ちたキャラクターなのだろうか？
これは僕の個人的解釈だが、ラネーフスカヤの最大の特徴は、その破天荒なまでの無垢さ／幼児性にあるのではないか。ラネーフスカヤには、先を見通したり、過去を反省したりして、それを未来に生かす力がない。子供がそうであるように、彼女にとって何よりも大切なのは、今現在の感情なのだ。そう考えれば、彼女の分裂した場当たり的な行動もすんなりと理解できるし、第一幕と第四幕の舞台が「子供部屋」である理由もわかる。
四十過ぎになっても大人として成長しないラネーフスカヤは、愚かと言えば愚かだ。だが彼女は、その幼稚さと表裏一体の徹底した無垢さの持ち主でもある。かつて身分の低いロパーヒンに優しく接したのも、困っている人に見境なく金を上げてしまうのも、自分を裏切った男を看病するためパリに向かうのも、全て彼女の無垢さのなせる業だ。同じように子供っぽい(と言うより大人になっていない)性格の持ち主でありながら、無垢さの代わりに俗物的な階級意識や卑小なエゴイズムを身につけてしまった兄のガーエフと比較すると、その特質は一層明白になる。成長もしない代わりに、精神的な汚辱にまみれることもなく、タイムカプセルのように幼児的な愚かさと無垢さを併せ持った女…それがラネーフスカヤだ。
もちろん僕の解釈が絶対というわけではないし、事実、川北裕子はそういう解釈は取っていないらしい。彼女の演じるラネーフスカヤは、最初から最後まで憂愁に満ちた中年女であり、事態の推移は一応理解しつつ、ただ何もしようとしないだけに見える。しかしそれでは、ラネーフスカヤの愚かさばかりが目立ってしまい、あまり共感を抱ける人物とはなりえないのではないか。未来を見通せない愚かさや実務能力の欠如、それと表裏一体の無垢さ…その両方が表現されてこそ、ロパーヒンやワーリャやガーエフとの関係がすんなりと理解できるし、『桜の園』という物語がグンと奥行きを増すのだ。この芝居のラネーフスカヤは、あまりにも一面的すぎて、少なくとも僕の目には著しく魅力に欠ける。

ロパーヒンを演じた菅沢晃は、『ワーニャ伯父さん』で素晴らしいワーニャを演じて見せたが、こちらの役作りはどうにも関心できない。あの演技は、ロパーヒンの卑小な部分だけを強調し過ぎているのではないか。あれではまさしく百姓の小せがれがそのまま大きくなっただけであり、一代で大金を稼いだ優秀な実業家という雰囲気が全く出ていない。そのためラネーフスカヤやガーエフといった貴族階級との差がはっきりせず、ただのんべんだらりと桜の園に出入りしている暇人のように見えてしまう。ラネーフスカヤが愚かさと無垢さの２つで成り立っているとしたら、ロパーヒンは貪欲なビジネス欲とラネーフスカヤへの思いの２つを主軸とするキャラだ。その２つともうまく表現できていないし、当然のことながら、両者の間に生まれる葛藤もまるで表現出来ていない。
また、『かもめ』のトリゴーリンもそうだったが、何故ロパーヒンが東北弁(？)を使う必要があるのだろう。貴族と平民で話す言葉が違うのはわかるが、それを東北弁で表現してしまうと、余計な属性が付きすぎる。何よりも、他の人物が標準語で話し、ロパーヒンだけが東北弁では、彼だけ出身地が違うように見えて仕方がない。よそ者であるトリゴーリンならまだしも、ロパーヒンはラネーフスカヤを初めとする他の主要人物と同じ土地の出身だ。階級差による言葉の違いを、東北弁という地理的な方言に置き換えるのは、明らかにおかしいだろう。

他の役者にも、いろいろ文句はあるが、ラネーフスカヤ／ロパーヒン／ワーリャという主要人物がこれなのだから、後は推して知るべしだ。

その中で意外な拾い物が、フィールスを演じた稲田栄二。本物ではないかと思うほどリアルなボケっぷりで、『桜の園』の喜劇性をきちんと表現していた。ただ彼の口癖は「出来そこないが」ではなく「未熟者が」の方が、話の流れに合うと思う。

一つ特筆しておきたいのは、第二幕の途中と第四幕の最後に響く「天から降ってきたような、弦の切れたような音」。これが「ヒュルルルルル」という思いもかけない音だったのが非常に面白かった。僕のイメージでは、ピアノの弦をペンチで切ったような音なのだが、第二幕でガーエフやペーチャが鳥の鳴き声かもしれないと言うくらいだから、こういう音もありなのだろう。確かにこれなら鳥の鳴き声と間違えても無理はない。

やはりこの劇団のチェーホフは『ワーニャ伯父さん』がダントツにいい。『三人姉妹』もまずまず。『桜の園』と『かもめ』は湿気が多すぎて、見ているだけでカビが生えてきそう…というのが、現在の評価だ。

(2008年５月)

【演劇】世田谷パブリックシアター制作リーディング公演『棒になった男』2008.5.24

ぼのぼの — 2008-05-26T18:46:47+09:00

世田谷パブリックシアター制作
日本語を読む〜リーディング形式による上演〜
『棒になった男』
2008年５月24日 19:00〜　シアタートラム

この企画の２本目。もう何本か見たかったのだが、結局２本しか見られなかったのが残念だ。

今回は安部公房の『棒になった男』。これを見たかった理由は以下の２つだ。

・小説版『棒』を国語の教科書で読んだことがあり、それが非常に面白かった
・ともさと衣、山本郁子というお気に入り女優二人が出演している

最初の動機だが、読んだのはあくまでも小説版の方。調べてみると、戯曲は新潮文庫で簡単に手に入る上、11月に興味深い演出(岡田利規)＋役者(麿赤兒／若松武史／今井朋彦／ともさと衣他)で上演される『友達』が一緒に収録されている。『友達』も確実に見るはずだから、この文庫で先に戯曲を読んでおくのもいいだろうということで早速購入し、とりあえず『棒になった男』だけ読んだ。
そして驚いた。戯曲『棒になった男』は３つの短編から成り立っていて、「棒になった男」はその３番目なのだ。それだけでも驚きなのに、読んでみると、小説版とはかなり違う。地獄の使者(確か小説版では、はっきりそうとは書かれていなかったはず)が、棒になった男の刑罰を決めるというモチーフは同じだが、具体的な展開や登場人物がかなり変わっている。先に戯曲を読んでおいて大正解。いきなり舞台を見たら、小説版との違いばかりが気になって、素直に芝居を楽しめなかったことだろう。
戯曲は活字として読んでも面白いものだったが、まるでリーディングのために書かれたような内容で、これでは普通の演劇としてやる意味がないのではないかとも思った。舞台設定は極めてシンプルかつ抽象的で、視覚化しないとピンと来ないという部分はほとんど無い。言葉だけで全てのイメージが十分に伝わるので、それを実際にリーディングの形でやるとどうなるか、大いに興味があった。

３つの短編に直接的な関連はない。第一景「鞄」と第三景「棒になった男」だけなら、共通点が多いが、合間に「時の崖」が入ることで、分かりやすい連続性を意図的に断ち切ろうとしているかのように見える。「第○景」という表現には馴染みがないが、調べてみたら「景」は「幕」と同じ意味だった。やはりこの３本が集まって１つの芝居になるということだが、その関連性については今もよくわからない。他の人のレビューで「これは本来、鞄／ボクサー／棒になった男の役を一人の役者が演じる劇で、それによって一人の人間の誕生→成長→死を表現している」という説明を読んだが、仮にそれが安部公房の意図であったとしても、「鞄」が誕生を表現しているというのには首を傾げずにはいられない。あれの一体どこが「誕生」を表現しているのだろう。鞄の中にいるご先祖様を妊娠の暗喩だと解釈しても、次の「時の崖」との間に断絶がありすぎる。強いて言うなら、あの３つの並びは「死後の生→生→死」だろう。最後に「鞄」が来て「生→死→死後の生」なら分かりやすいのだが、そうもなっていないし…　この３編のつながりについては、今も明確な答えが出ていない。

演出は文学座の若手、上村聡史。キャストは以下の通り。

第一景「鞄」
女　　　　　　　ともさと衣
客　　　　　　　山本郁子
旅行鞄　　　　　今井朋彦
モナリザの朗読　中村彰男

第二景「時の崖」
ボクサー　　　　松澤一之
声　　　　　　　中村彰男

第三景「棒になった男」
地獄の男　　　　　　　　　松澤一之
地獄の女　　　　　　　　　山本郁子
棒になった男　　　　　　　中村彰男
フーテン男・地獄からの声　今井朋彦
フーテン女　　　　　　　　ともさと衣

舞台は前方に椅子が３つ、後方に机と椅子があるだけで、ライティングも最低限。役者は椅子に座るか一定の場所に立つかの状態で台本を読み上げる。この前見た『星の王子さま』は、役者が様々な場所に動いたり重なったりして、身体表現がそれなりに導入されていたし、戯曲の要請上ライティングの変化による物語の転換もあったが、こちらはほぼ音声だけで全てを表現するオーソドックスなリーディング劇だ。しかし、これだけの戯曲と役者が揃っていれば、十分に面白いものが出来るのだということを証明するような公演だった。
ちなみに席は最前列のほぼ真ん中。基本的には「聞く」芝居だが、役者の表情の変化なども細かい部分まで全て見る事が出来た。上演時間は１時間10分ほど。

まずは第一景「鞄」。ともさと衣と山本郁子がいきなり並んで登場するのに、ちょっと感動。女の夫が持っている奇妙な旅行鞄をめぐる物語。安部公房的であると共に、星新一のショートショートも想起させるテイスト。その面白さを、実力派の役者たちが過不足なく表現していた。
ただ、今井朋彦がともさとと山本の間に入って鞄役を演じる際、声が大きすぎて、女優陣のやり取りが聞き取りにくくなったのが残念だった。位置関係から言えば二人の間に鞄がいてもおかしくないのだが、声は鞄の中から聞こえてくるのだから、もっと密やかなものであるべきだろう。あんなに大きな音ではなく「何かに熱中していると気づかないのだが、ふと気づくといつの間にか不気味な声が聞こえている」というくらいの方が、女の苛立ちがリアルに理解できると思う。今井はもっと声を抑えるか、女優陣よりも２メートルほど下がったところで声を出すべきだった。これは今井と言うよりも演出上の問題だろう。
ともさと、山本の二人は、それぞれの個性からすると、役柄を逆にした方がより合っているような気もした。ただしこのミスマッチ感も、それはそれで新鮮だったので問題ない。女が精神的に追い詰められている感じを強調したかったのであれば、よりシャープな声を持ったともさとが女役で正解だろう。

第二景「時の崖」。これは落ち目のボクサーが試合でKOされるまでの独白劇。途中に実況中継などの「声」が何度か入るものの、実質的に一人芝居と言っていい内容だ。不思議なのは、これが朗読劇としてではなく、普通の戯曲として書かれたという事実。他の２編と違い、この作品だけは舞台設定や動きを指示するト書きがまったく存在しない。それだけに演出家のアイディア次第でいろいろな芝居を作れるとは思うが、戯曲の内容をそのまま表現するだけならリーディングやラジオドラマで十分であり、普通の演劇用に書かれたとは思えないテキストなのである。
そんな内容だけに、成功するか失敗するかはひとえにボクサー役の役者にかかっている。今回の松澤一之は、時々台詞を噛んでいたし、完璧とは言えないが、かなりの健闘だった。ただしボクサーの年齢は20代前半、松澤は声もルックスも50代のおじさん。そのギャップに違和感があったのは残念だ。もっと若い役者が演じたら、よりリアルな雰囲気になっただろう。
一人芝居の単調さを破るように、突然飛び込んでくる「声」も大きな効果を上げている、この辺りは、地味ながら的確な演出だ。
最初に「落ち目のボクサーが試合でKOされるまでの独白劇」と書いたが、最後は屋内から青空が見えたり、「自分が二人になったみたいだ」という台詞があったりして、ボクサーが死んだようにも読み取れる。そうだすると、次の「棒になった男」に比較的すんなりつながるのだが、それはさすがに安直な解釈だろうか。

第三景「棒になった男」。小説版は、確か(地獄から来たと思しき)教授と生徒が棒になった男の刑罰を定める話。戯曲版における地獄からの使者は、ベテランの男と新任の女という組み合わせで、男が地獄の本部にトランシーバー(笑)で連絡を取り、合間に個人的な話をするなど、妙に人間的な存在になっている。記憶違いの可能性もあるが、フーテン(笑)の男女は、小説版には出て来なかったのではないだろうか。
小説・戯曲と２つの形で作品化しているのだから、安部公房にとっても自信作なのだろう。とても面白く、テーマも読み取りやすい。死んだ人間が棒になり、そのまま放置されるというアイディアは、今にして思えば、黒沢清の映画『回路』のルーツになってるような気もする。発表から39年たった今も、「棒になった男」の寓意は何ら色褪せていない。
非常に気になったのは、フーテンの男女の台詞に、元の戯曲にはない部分があったこと。最初は僕が忘れているだけかと思ったが、終演後すぐに文庫本を開いて調べてみると、やはり「ガーガー」(だっけ？)に関する台詞などどこにもない。これは一体どういうことなのだろう？　オリジナルで付け足されたとは思えないので、安部公房の別の戯曲から持ってきたのだろうか？　あるいは最初の上演台本に書かれていて、書籍として刊行される際に削除された台詞なのだろうか？　とても気になる。情報をご存じの方は、ご一報ください。

戯曲に新たな魅力を大幅に付け足すようなこともなかったが、戯曲の持つ魅力はほぼ表現しきった、優れた公演だった。成功の大きな要因は、力量のある役者が揃っていたこともさることながら、戯曲自体がリーディングにピッタリな内容である点が大きい。もう１本の安部公房作品『城塞』も、やはり見るべきだった。

役者で特に印象に残ったのはともさと衣。「鞄」も「棒になった男」も非常に安定していたし、自分の声を自在にコントロールしている余裕が感じられた。１週目の『星の王子さま』ではまだ緊張が感じられたが、３週目(３本目)ともなると無駄な緊張が解けて、自信が出てきたのだろう。幾つもの異なった役を見事に演じ分けたと聞いている『不思議の国のアリス』を見逃したのが残念だ。
考えてみると彼女は、カフカの『審判』『失踪者』、多和田洋子の『犬婿入り』、イヨネスコの『授業』など、最近出ている芝居が全て不条理もの(笑)。そういう意味では、安部公房作品と相性が良いのも当然かもしれない。すでに述べたように、秋には『友達』にも出演するので、このまま不条理の女王(笑)を目指して突き進んで欲しいものだ。『友達』は、前にク・ナウカの若手公演で見たことがあり、それはあまり面白いものではなかったが、岡田利規演出による『友達』はどんなものになるのだろう？
…と、ここまで書いて突然気がついたのだが、それらの舞台を皆見ているどころか、原作も読んでいる自分は一体何なのだろう？　特に不条理ものが好きだという自覚はなかったのだが、実はけっこう好きなのだろうか？　そう言えばポール・オースターや村上春樹も十分に不条理ものの範疇に入るしなあ。

次に印象深いのは松澤一之。「ボクサー」は、すでに述べたように不満もあるのだが、あの一人舞台をリーディングで飽きさせずに聞かせただけでも立派なものだ。「棒になった男」の地獄の男役は、もっと余裕を持って楽しんでいる雰囲気が感じられた。上手い下手ではなく、その「味」に魅了される。

今回の出演者５人の内、ともさと・松澤の２人を除く３人が文学座(松澤は文学座研究所→夢の遊民社)。その中で、非文学座の２人が特に印象的だったというのは、文学座の３人が手堅い演技で土台を固め、その上でともさとと、とりわけ松澤に、より自由な芝居をさせたという構図のせいもあるのだろう。

ちょっと残念だったのは山本郁子。妙に台詞を噛んでいたし、これまでに見た彼女の芝居と比べると少し安定感に欠ける印象があった。彼女がこのシリーズに参加するのはこの１本だけ。３回程度のリハーサルと、わずか２回の本番で、まだこのリーディング公演の呼吸が掴み切れていなかったのだろう。その点では、３本目で完全にリーディングのコツを掴んだように見えるともさとと好対照だった。

今井朋彦と中村彰男は、台詞の量自体が他の３人に比べて格段に少ないため、それほど大きな印象は残らないが、それぞれに手堅い芝居だった。

結局２本しか見られなかったリーディング公演だが、これだけの演出家と役者がずらりと揃うことは滅多にない。戯曲もそれぞれに興味深いし、チケット代も安い。これと同じレヴェルで第２弾をやってくれたら、今度はせめて４〜５本は抑えることにしよう。

(2008年５月)

【ライヴ】キース・ジャレットソロ 2008.5.17

ぼのぼの — 2008-05-22T23:27:53+09:00

キース・ジャレットソロ
2008年５月17日(土) 19:00〜　Bunkamuraオーチャードホール

キース・ジャレットのライヴは、2005年10月21日のソロ(東京芸術劇場)、2007年４月30日のトリオ(東京文化会館)に続いて３回目になる。

今回はソロなので、全編即興演奏だ。席はチケットに８列と書かれていたが、実際に行ってみたら３列目だったので驚いた。ただし楽器の音は上に向かうので音響的には前の方が良いというものではないし、少し上手寄りなのでキースの手の動きもよく見えない。しかし2150席もあるでかいホールで、あのポジションに文句をつけたりしたら罰が当たる。まずは素晴らしい席だ。

第一部の開演は19時５分頃。いきなり１曲目から、現代音楽のような抽象的な演奏が延々と続く。楽理に明るい人なら「○○音階」とか指摘できそうな独特のスケールを繰り返しながら、新しい音楽を生みだそうとするキース。だが、この１曲目は明らかな失敗で、キースがもがき苦しんでいる様子がはっきり伝わってきた。キースは何度も何度も執拗にスケールを繰り返し、インスピレーションが湧き起こるのを待つが、いつまでたってもその瞬間は訪れず、紡ぎ出される音は抽象的な像を描くのみ。後半になると時折ゾッとするほど美しいメロディが顔を覗かせる。しかし、それをうまく発展させられないのか、あるいはそこまでの流れと合わなすぎるのか、あくまでも実験的に弾いたという感じで、すぐに姿を消してしまう。僕の耳からしても、流れ的に唐突な感じがしたので、あまり惜しいとは思わなかった。しかしそれに代わる新たな発展もなかなか見られない。
１曲目でいきなりこれをやられて、あちこちで居眠りをする観客が目につく。客層は老若男女様々で、はっきりとした傾向が見えないのだが、「『ケルン・コンサート』が大好き。あんな美しい音楽をぜひ生で聞いてみたい」と言うような客なら、ここで居眠りをしても責めることはできない。
結局この演奏は30分程度続き、ついに実りある展開を見せぬまま、何となく終わる。３年前のライヴでは、一つの曲(演奏)が終わったら、キースが客席の方を向いて、はっきり終わったことを示したはずだ。ところがこの時は、そのような合図もなく、演奏自体も終わりを迎えた感じがしなかったが、しばしのブレイクの後、まったく違う演奏を始めたので、とりあえずそこで１曲目は終わったのだと解釈した。しかし「終わったよ」という合図をしなかったことから考えても、キースとしては「終わった」と言うよりは「放棄した」というニュアンスが強かったのではないか。だから次の演奏までを１曲目と数える人もいるだろうが、あれだけ曲調が変わったら、やはり別々の曲考える方が妥当だろう。

その２曲目は、１曲目とは打って変わってロマンチックな美しい演奏。しかしまだまだ音を模索する様子がうかがえ、悪い意味での緊張感がみなぎっているため、美しいメロディに素直に酔いしれることができない。
その演奏が一旦ブレイクして、次の展開に入ろうとした瞬間、５〜６列目の下手で大きな咳払い。まさに「カクッ」という感じで、キースの緊張感が途切れる。演奏に入るのをやめて、「ああ、いいよ。僕は一休みするから、ほら、今の内に咳をして」と客席にジェスチャーでうながすキース。観客は笑い、拍手も出ていたが、本当につらかった。もがき苦しみながら、なかなか出口を見いだせずにいるキース。そんな苦しみなど知らぬかのごとく居眠りをしたり、咳払いでキースの集中力を乱したりする観客。咳そのものは生理現象だから、ある程度仕方ない面もあるが、キースが両手を広げ、次の演奏に入ろうとしたその瞬間、よりによってまさにその瞬間に、あれだけでかい咳をするか？　状況を読めないのか？　キースの絶不調に加え、観客との大きな齟齬…あまりのつらさに帰りたくなった。

キースも水を飲んだりして一服。３曲目の演奏に入る。また１曲目に近い抽象的な演奏だが、こちらは何をやろうとしているのか、それなりに方向性が見える演奏で、まずまず。とは言え、こじんまりとまとまった印象で、それまでの不調を一挙に覆すほどの演奏ではない。19時50分頃にこの演奏を終えて20分間の休憩に入った。

ソロで全編即興となれば、インスピレーションが湧かずイマイチの演奏が続く時もあるのは当然のことだが、その悪戦苦闘を実際に目の当たりにしたのは初めてだ。この第一部は最悪と言っていいもので、３年前とはたいへんな違い。初めてキースを見る友人も連れていたので、よりによってとんでもない時に連れてきてしまったなあ…と暗澹たる気持ちになった。しかし第二部では、何とか盛り返してくれるのではないかと期待し、再び席に着いた。

20時10分から第二部。前半で抽象的な方向に走ってうまくいかなかったので、後半はロマンチックな方向に行くのではという予想通り、１曲目は精巧なガラス細工を思わせる美しい演奏。その極端さが、ちょっと微笑ましかった。ただしそれは比較的短い時間で終わり、それほど大きな発展を見せることはなかった。
そして２曲目。ここでまた曲調が少し抽象的なものになる。ただし第一部１曲目よりは、ノリもあってわかりやすい。最初の内こそ方向性を模索している感じがあったが、途中からどんどんインスピレーションが湧き出したようで、後半は非常に聞き応えのあるものになった。終盤になると、ほとんど立った状態でピアノを弾き、いつにもましてでかい声でうなり声を上げ(歌を歌い？)、踊るように足でリズムを取るキース。ピアノを弾いていると言うよりも、ピアノと肉体が一体となって音を奏でているかのようだ。ようやく真のキース・ジャレットが出現した。この１曲で、ようやく前半のマイナスは埋められた。
よし次！…と思ったら、もう第二部終了。20時45分。いくらアンコールがあるとは言え、何もここで引っ込まなくても…

アンコールは全部で５曲、45分という長丁場。３年前も４曲やってくれたが、その時の４曲目は、客電が点いて２〜３割の客が帰ってもスタンディングオベーションが執拗に続くため、特別サーヴィスとして演奏したもの。それに対して今回は、キースの方で積極的にやろうと思ってやった感じだ。これは「第一部がうまくいかなかったから、その穴埋めで、アンコールを第二部のつもりでやろう」という気持ちだったのではないか。それほど第一部の不調ぶりと、第二部後半〜アンコールの素晴らしさには大きな差があったし、キースの態度も客の盛り上がりもまるで別物だった。終了は21時30分。予定では21時だから30分のオーバー。第一部の１曲目とほぼ同じ時間だ。

演奏された５曲はそれぞれ６〜８分程度。１曲目、４曲目、５曲目はロマンチックなバラード系の演奏で、２曲目はブルースを基にした演奏。３曲目はスイング感のある最もジャズらしい演奏(３曲目と４曲目は逆だったかもしれない)。聞いたことのあるようなフレーズをちらほら耳にしたので、何曲かはスタンダード、もしくはキースの過去のナンバーをモチーフにしているのかもしれない。どの曲もわかりやすいロマンチシズムやリリシズムに満たされていて、第一部のあの抽象的な演奏は何だったんだという気分になる。地獄から天国へ引き上げられたかのような気分だ。

とは言うものの、この構成はちょっと極端すぎはしまいか。もちろんキースは最初からこんな風にするつもりではなく、本当なら第一部でもっと聞き応えのある演奏をするはずだったのがうまく行かず、本編とアンコールで演奏内容が極端に変わったような印象になってしまったのだろう。３年前も「前半現代音楽風の前衛的演奏→後半ロマンチックで美しい演奏」という流れではあったが、１曲ごとの演奏があまり長くないこともあり(前半６曲／後半４曲／アンコール４曲)、前半から後半にかけての変化には、納得できるグラデーションがついていた。しかし今回は前半３曲／後半２曲／アンコール５曲と、本編の曲がかなり長めだったため、曲調の極端な違いがデコボコした印象を生み出している。第二部の２曲目以降は本当に素晴らしかったが、そこだけを取り上げて誉めるのは、何か違うように思う。やはり第一部の１曲目こそ、この夜キースが最も挑戦的な気持ちで臨んだ演奏ではないのか。だが、それは残念ながら失敗に終わり、観客サーヴィスを視野に入れたであろう、若干保守的なアンコール演奏ばかりが熱狂的に受けてしまった。そのバランスの悪さを考えれば、３年前のライヴに比べて、今回は少々落ちると言わざるをえない。

しかし、純音楽的な視点からは最高と言えないライヴでも、ドキュメント的な視点に立てば、実に興味深い一夜だった。あのキースでも、やはり即興をうまく発展させられないことがあるのだ。当たり前と言えば当たり前の話だが、一番良い演奏が詰め込まれたCDばかりを聞いていると、そんなことは現実に起こらないような錯覚に陥ってしまう。むしろこの失敗を通じて、「全編即興によるピアノのソロ演奏」というフォーマットが、どれほど怖ろしく、どれほど巨大な才能を必要とする作業なのかを思い知らされた気分だ。
決して完璧とは言えない出来だっだが、むしろ今回のライヴを通じて、僕はキース・ジャレットというアーティストのことを、より深く理解できたような気がする。

(2008年５月)

【映画】『最高の人生の見つけ方』短評

ぼのぼの — 2008-05-18T23:37:39+09:00

見ていないのだが、前に『死ぬまでにしたい10のこと』という映画があった。それのハリウッド版だ。ただしジャック・ニコルソンがとてつもない大金持ちで、死期が見えた時点で、金に糸目を付けず好きなことが出来るという設定により、ドラマとしてのリアリティは激減。ある意味ご都合主義的なファンタジーに終始し、生と死の実存に深く食らい込むような感動は得られない。

とは言うものの、そのファンタジー的な側面さえ許容できれば、決して悪い作品ではない。本当に死に向き合うとき、このような映画は何の役にも立たないだろうが、生きている間の精神的カンフル剤としては良質な作品だ。

この作品の魅力と言えば、一にも二にもジャック・ニコルソンとモーガン・フリーマンの演技だ。とりわけジャック・ニコルソンが、これほど人生の味わいを感じさせる演技をしたことなど何年ぶりだろう。70歳を超えてなお進化を続ける名優の姿には、素直に感動してしまう。言うまでもなくモーガン・フリーマンも素晴らしいが、脚本上の問題で、一番美味しいところはニコルソンに持って行かれている。その二人の演技を的確に画面にとらえたロブ・ライナー監督の手腕も評価されていい。

意外と早く脳裏から消えていくタイプの作品ではあるが、少なくとも映画を見ている間は、心地良い笑いと感動に浸ることが出来る。主役二人の演技を見るためだけでも、入場料分の価値はあるだろう。

(2008年５月)

【映画】『チャーリー・ウィルソンズ・ウォー』短評

ぼのぼの — 2008-05-18T23:35:44+09:00

最近、これほど予告編に騙された映画はない。予告編では、昔のフランク・キャプラ映画を彷彿とさせる理想主義的政治コメディのように見えるが、実際にはコメディ的な要素は希薄。普通のハリウッド映画なら、もっとサスペンスフルな展開に行くか、ヒューマニスティックな面を強調しそうなものだが、そのようなサーヴィス精神もなく、無愛想とすら言える政治的な駆け引きのドラマに終始する。『大統領の陰謀』や『候補者ビル・マッケイ』といった作品を思い出した。

つまらないわけではないのだが、見終わって非常に釈然としないものが残った。何しろ表面的に見れば「冷戦下に、巧みな政治工作でゲリラに武器を供与し、ソ連軍をアフガニスタンから追い出すことに成功した議員の物語」なのである。ソ連軍は、昔の戦争映画におけるナチスのような無人格な悪役としてしか描かれない。何の批評性もなしに「ソ連兵を殺そう！」と言った言葉を叫ばれると、さすがにちょっと待てよと言いたくなる。この映画は一体何を描こうとしているのだろうと、途中までかなり頭を悩ませた。

ようやく映画本来のメッセージが出てくるのは、ラスト５分程度。「戦いだけ支援して、その後の復興を助けないと、後でとんでもないしっぺ返しを食うことになるよ」という、今のアメリカに対するごもっともな教訓が述べられる。
しかしその肝心のメッセージを伝える描写が、あまりにも短く暗示的だ。『ランボー』と何も変わらない反共映画のごとき描写が１時間30分以上。最後の５分で、ようやく自省的なメッセージというのは、さすがにヴァランスが悪すぎる。この物語の後、アフガニスタンとアメリカがどのような運命をたどったかを、もう少しきちんと描かなければ、「共産主義をやっつけたぞ、万歳！」という側面ばかりが目立ってしまい、何とも居心地が悪い。描きたいことはわかるものの、脚本の構成ミスにより、最も大切なメッセージがうまく伝わったとは言い難い作品。

(2008年５月)

【演劇】世田谷パブリックシアター制作リーディング公演『星の王子さま』2008.5.10

ぼのぼの — 2008-05-15T08:34:27+09:00

世田谷パブリックシアター制作
日本語を読む〜リーディング形式による上演〜
『星の王子さま』
2008年５月10日 14:00〜　シアタートラム

今年に入ってから、まるで流行のように、あちこちでリーディング公演が行われている気がする。元々頻繁に開催されていて、最近自分が興味を持ったせいで目に付くようになったのか、それとも何らかの理由で今年は特に多く開催されているのか、よくわからない。しかしこの世田谷パブリックシアターのリーディング公演は初めての試みのはずだから、後者の可能性が高そうだ。

ちなみに僕が今年に入ってから見たリーディング公演は以下の２本。

TIFリージョナルシアターシリーズ
『静物たちの遊泳』
２月29日(金)　東京芸術劇場小ホール

国際ドラマリーディングフェスティバル
『リトル・ボーイ、ビッグ・タイフーン　少年口伝隊一九四五』
３月８日(土)　川崎市アートセンター

他に、リーディング／朗読劇と普通の演劇の中間にあたる不思議な劇が、詳しいレビューを書いた『犬婿入り』。reset-Nの『繭』も、かなりリーディングに近い内容だった。

そして今月は、この「日本語を読む」シリーズだ。とりあえずチケットを買ってあるのは２本。出来ればもう１〜２本見たいところだが、各作品とも２回ずつしか上演しないため、興味はあっても見られないものがあり、結局その２本だけで終わりそうだ。しかしこれだけ豪華な役者と演出家のコラボレーションがたった1500円(世田パブ会員価格)で見られるのは、なかなか美味しい話だ。また来年も第２弾を企画して欲しい。

前置きが長くなった。今回見たのはＡプロの『星の王子さま』。と言ってもサン＝テグジュペリの童話そのものではなく、それに対する一種の批評として寺山修司が書き上げた戯曲だ。演出は文学座の俳優今井朋彦。出演は以下の通り。

オーマイパパほか　ともさと衣
点子ほか　　　　　上田桃子
ウワバミほか　　　内田淳子
ヒツジほか　　　　久世星佳
点灯夫の星ほか　　千葉哲也

内容は、サン＝テグジュペリの『星の王子さま』をベースに、童話の世界を残酷な現実によって解体していくようなもの。「これは、かつて『星の王子さま』を愛読した自分自身に対する復讐のようなものである」といった前口上もある。登場するキャラは、皆一般社会の規格からはみ出した人たちばかりで、いかにも寺山らしい。

戯曲として特に興味深いのは、童話世界の解体を超えて演劇という枠組みまで解体してしまう終盤だ。いきなり場内の蛍光灯が付き、非日常性を奪われた舞台上で、それまでの物語を芝居として相対化するやり取りが続く。そして最後には、回りのセットが全て片付けられ、点子役の女優一人だけがいつまでも空を見上げているというト書きで終わる。リーディングだし、元々セットらしいセットもないので、あくまでもト書きとして語られるだけだが、それが逆に想像力を刺激する。そのような形での劇の解体は今となってはデジャヴ感のある仕掛けなのだが、それをリーディング形式で演じることで「劇の解体という仕掛けを、さらに解体する」ひねった面白さが感じられた。
ただ、そこに登場する役者や場所の名前が元の戯曲のままである点には違和感を感じた。何故それを、今ここで演じている役者の名前、2008年の三軒茶屋シアタートラムに置き換えないのか？　そんな形で元の戯曲を尊重しても意味がないと思うのだが。

全体的にはまずまず面白かったが、サン＝テグジュペリの『星の王子さま』や当時の風俗と密接にからむ台詞で、すぐにピンと来ない部分があるのはやむをえないところか。これほど原作(？)とリンクしているのであれば、芝居を見る前に読み返してくるべきだった。

この作品を見た大きな理由は、ともさと衣と千葉哲也が出ていたからだ。役者は全員魅力的な声をしていたし、それぞれに表現力豊かだったが、問題を感じた部分もあった。一人ずつ述べていこう。

一番良かったのは内田淳子。声の表現力が抜群で、この人なら一人語りでも十分に人を惹きつけられるだろうと感心しながら見ていた。今回初めて見る人だと思ったが、出演作を調べてみたら、2004年にこまばアゴラで三浦基演出の『じゃぐちをひねればみずをでる』という作品を見ていた。なるほどね。今後要チェックだ。

文学座の上田桃子も面白い。上手いのかどうなのかよくわからないのだが、声も容姿も演技も個性的で、とにかく面白い。内田淳子と二人芝居になるところがあるが、スタイルの違う二人の演技が、噛み合っていないようでいてしっかり噛み合っているところが興味深かった。

久世星佳は、多分最も出番が少ないのだが、幾つもの役を一人で演じ分けるシーンが中盤にあり、そこが大きな見せ場になっている。歌舞伎さながらに見得を切るような威勢のいい台詞も多いのに、直立したまま台本を持って話しているというギャップも面白かった。

ともさと衣は、スラリとした立ち姿が実に美しく、凛とした声もそれに負けないほど美しい。『野ゆき山ゆき海辺ゆき』の頃の鷲尾いさ子を思わせる魅力の持ち主だ。
ただ彼女の問題は、内面からにじみ出る知性やシャープさが、しばしば役柄の妨げになること。もちろんそのような個性が生かされる役もあるはずだが、どういうわけか僕が見た作品では、それが邪魔になる例が多い。今回も神経質さや緊張感が強く感じられる部分があり、もう少し肩の力を抜いてふんわりとした柔らかさを身につけることが出来れば、一皮も二皮もむける人なのになあ…と思わずにはいられなかった。
先月見た『犬婿入り』の彼女が素晴らしかったのは、これまで見た中で最も硬さが無く、芝居を楽しんでいる雰囲気が感じられたからであることが、今回の公演を見てわかった。今回は今回で十分に好演なのだが、『犬婿入り』であれほどの魅力を見せてくれただけに、「その次」を期待してしまうのは仕方あるまい。もう１本、『棒になった男』も見に行くのだが、そちらではどんな演技を見せてくれることだろう。

そして一番の問題児が千葉哲也だ。
僕はこの人がかなり好きだ。強烈な表現力があるし、聞き惚れてしまうような声をしているし、何とも言えない男の色気がある。舞台に出てくるだけで人を惹きつける、いかにも役者らしい魅力を持った人だ。
しかし先月、新国立劇場で『焼肉ドラゴン』を見たとき、どうも彼の演技に違和感を覚えた。やがてその違和感の理由に気づいたのだが、今回のリーディング公演で、それが間違いでなかったことがわかった。
この人、相手役の台詞をほとんど聞いていないのだ。
いや、もちろん聞いてはいるのだろうが、それはあくまでも自分の台詞を言うきっかけとして聞いているだけで、相手役の感情表現を微細な部分まで受け止めた上で、自分の演技をしているようには見えない。相手役の演技がどうであれ、自分は自分の解釈に従った演技をする、という感じだ。その演技自体は単独で見れば非常に魅力的なため、一見するととてもうまい役者に見える。また、THE ガジラのような芝居なら、そういう演技スタイルもあまり問題にならない。しかし『焼肉ドラゴン』のように、他の役者たちが、演技というよりも物語の世界を生きているような芝居では、その我が道を行くな演技が、周りと微妙な摩擦を起こすことになる。
その点に特に注目していたせいもあるだろうが、今回も同じような摩擦が感じられた。一人語りの時は何も問題ないのだが、誰かとの掛け合いになると、台詞の受け渡し部分で、妙にテンションが変わったり方向性が食い違ったりするのだ。
いろいろな意味で魅力的な役者だけに、簡単に切り捨てることは出来ないが、やはりこの人の演技には、ある程度の限界があることがわかってきた。

上演時間は約１時間。東京乾電池の月末劇場もそうだが、チケット代が1500〜2000円で、上演時間１時間というような気軽な作品が増えると、個人的にはたいへんありがたい。

(2008年５月)

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